Ar trebui să cumpărați arta artistică ca investiție? - Tipuri și riscuri
Deși am cumpărat alte picturi și sculpturi din bronz în anii care au intervenit, nicio piesă de artă nu mi-a înlocuit afecțiunea - chiar și iubirea - pentru acea pictură. A ocupat faza centrală în birourile mele de aproape 40 de ani. Scena îmi amintește de copilăria mea timpurie din Texas, de satisfacția muncii fizice și de persistența necesară pentru a-și construi un viitor în orice loc. Îi recunosc pe tatăl, bunicul și unchii mei în posturile și expresiile călăreților.
Arta ne-a mișcat mereu și a evocat amintiri și vise din alte vremuri și locuri. Se pretinde că dramaturgul britanic George Bernard Shaw a spus: „Folosești o oglindă de sticlă pentru a-ți vedea fața; folosești opere de artă pentru a-ți vedea sufletul. ”
Nu este surprinzător, unii sunt dornici să ne monetizeze atracția către arta plastică, văzând-o ca o nouă clasă de investiții alături de acțiuni, obligațiuni și aur. Potrivit avocaților săi, arta de calitate pentru investiții poate oferi un randament anual de 10% sau mai mult. Unii spun că mișcarea sa este contraciclică cu mișcarea acțiunilor și astfel poate stabiliza un portofoliu în perioadele de volatilitate. Laurence Fink, CEO al Blackrock Financial, unul dintre cei mai mari manageri de fonduri din lume, a afirmat într-un interviu la Bloomberg că arta contemporană este o clasă de activități „serioase” și „unul dintre cele mai mari două magazine de valori internaționale”.
Arta frumoasă este o investiție adecvată pentru toată lumea? În cazul în care ar trebui să renunțați la achiziționarea unui stoc sau o obligațiune pentru a cumpăra un tablou sau a investi în artă printr-o companie de genul capodoperelor? Cum diferă proprietatea asupra artei de investițiile tradiționale precum acțiuni, obligațiuni, imobiliare sau aur? Hai să aruncăm o privire.
De ce ne atrage arta
Jean-Luc Godard, regizorul de film francez și tatăl mișcării de film New Wave, afirmă: „Arta ne atrage doar prin ceea ce dezvăluie despre sinele nostru cel mai secret.” Arta este expresia fizică a gândurilor și emoțiilor. Crearea operei de artă este intens personală, artistul exprimându-și perspectiva unică asupra lumii - atât reală cât și imaginară - în jurul său.
Cercetările efectuate de neurobiologul Semi Zeki de la Universitatea din Londra au descoperit că vizualizarea artei declanșează o creștere a dopaminei - neurotransmițătorul chimic care ne face să ne simțim bine - în creier. Zeki a constatat că sentimentele asociate cu arta erau similare cu cele asociate iubirii romantice.
Arte plastice - picturi, sculpturi, desene, fotografii și printuri - transcende timpul și spațiul. Perfecțiunea frumuseții fizice surprinse de „David” de Michelangelo, furia din „The Scream”, a lui Edvard Munch și misterul din spatele zâmbetului Mona Lisa au fascinat privitorii de secole. Cu toate acestea, achiziționarea de artă pentru a face bani este o dezvoltare relativ modernă.
Arta frumoasă ca investiție
Timp de secole, proprietatea artelor plastice s-a limitat la elita societății. Doar cei bogați - aristocrația, bisericile, guvernele și comercianții cu mare succes - își puteau permite să cumpere sau să sponsorizeze o piesă de artă. Afișarea unei picturi sau sculpturi într-un cadru privat a fost o dovadă fizică a statutului cuiva. Steven Pritchard, scris în Culture Matters, notează că încă din perioada Renașterii, proprietatea asupra artei a însemnat „statutul, influența, puterea și bogăția”.
Creșterea economică care a început în anii postbelici a extins numărul de persoane extrem de înalte (UHNWI) și a transformat arta de pe o piață de nișă într-un comerț global. Thomas Seydoux de la casa de licitații Christie a menționat într-un interviu din 2014 în The New Republic: „Când am început, acum 30 de ani, milionarii aveau bărci și jeturi - dar nu aveau neapărat nicio artă deloc. Pentru cei foarte înstăriți de azi, nu e bine să nu te intereseze arta. ”
Cererea din ce în ce mai mare de artă plastică a atras rapid industria financiară, care a simțit că ar trebui să se obțină profituri prin deservirea acestor cumpărători noi, nesofisticate. Un studiu realizat de Deloitte a descoperit că serviciile de artă plastică ale firmelor financiare variază de la consultanță specializată la servicii complete, care includ cercetarea inițială, facilitarea tranzacțiilor, evaluări, moștenire și planificare filantropică și împrumuturi.
Fonduri de artă
Fondurile de artă, modelate după experiența de succes a fondului britanic de pensii britanice cu proprietatea artelor plastice, au proliferat în prima decadă a noului secol, cu 50 de fonduri active la nivel global. Până la sfârșitul deceniului, doar 12 fonduri au rămas în afaceri. În 2015, Private Art Investor a postat 16 fonduri de artă privată, multe oferite de aceiași manageri cu un fond specific dedicat unui anumit tip de artă.
Todd Levin, directorul grupului Levin Art cu sediul în New York, sfătuiește că „un fond de artă este o propunere foarte scumpă, datorită cheltuielilor generale care se consumă la marja de profit”. Melanie Gerlis, autorul „Artă ca investiție ?: o anchetă a activelor comparative”, a fost de acord, menționând că „arta nu este un atu suficient de lichid pentru a produce felul de profituri pe care un investitor și le-ar dori.”
Mulți pasionați de artă artistică nu sunt de acord, arătând despre vânzările de artă extrem de mediatizate de case de licitații precum Sotheby's și Christie's. După cum remarcă Deloitte, „Oferta celor mai bune opere de artă va fi întotdeauna limitată și tinde să se aprecieze ca valoare în timp. Mai ales pentru artiștii de top decedați, deoarece picturile sunt pierdute sau cumpărate de muzee și colecționari. ” Madelaine D'Angelo, fondatoarea companiei de consultanță artă bazată pe date Arthena, a afirmat într-un articol din 2017 în TechCrunch că investițiile în artă „oferă profituri impresionante, fără a fi prea legate de ascensiunile și piețele bursiere”.
Tipuri de artă de grad de investiții
Marea majoritate a artei produse de-a lungul veacurilor se pierde în flotam și jetsamul timpului, distrusă sau uitată și lăsată să se estompeze în mansardele mustate sau în beciurile dank. Piesele rare care supraviețuiesc generație după generație sunt cele care surprind și transmit esența experienței umane, distinsă prin priceperea, subiectul și ambientarea artistului. Aceste lucrări sunt considerate artă de investiții și se încadrează într-una din următoarele categorii.
1. Capodopere
Aceste opere recunoscute pe scară largă create de cei mai mari artiști ai lumii (sau „Old Maestri”) sunt deținute de muzee și câțiva colecționari privați. Atunci când o piesă devine disponibilă pentru cumpărare, aceasta se vinde adesea pentru zeci sau chiar sute de milioane de dolari. Un Da Vinci descoperit recent, „Salvator Mundi”, vândut pentru 450,3 milioane USD în 2017, „Femeile din Alger” de Picasso a adus 179,4 milioane USD în 2015, iar „Portretul lui Dr. Gachet” de Van Gogh s-a vândut pentru 2,5 milioane USD în 1990.
2. Blue-Chips
Cu un preț de 250.000 USD și mai mult, aceste tablouri sunt produsul unor nume consacrate, bine recunoscute în lumea artei ale căror lucrări au câștigat numeroase premii și sunt prezentate în spectacole muzeale private. Acești artiști sunt decedați, asigurându-se că oferta operei lor este limitată. Blue-chips-urile sunt favorizate de UHNWI care angajează consultanți și participă regulat la licitații majore. Lucrările artiștilor precum Francis Bacon, Helen Frankenthaler și Gerhard Richter sunt incluse în această categorie.
3. Artiști vii în mijlocul carierei
Echivalente cu un stoc de creștere a valorilor mobiliare, lucrările acestui grup au fost recunoscute cu premii și se găsesc, de obicei, în colecții private și câteva muzee. Acești artiști sunt reprezentați de cele mai respectate galerii, iar prețurile pentru lucrările lor încep în jur de 50.000 de dolari, dar pot ajunge în milioane. Colecționarii îi consideră pe Nicola Tyson și Rudolf Stingel ca făcând parte din acest grup.
4. Artiști emergenți
Acest grup este format din artiști mai tineri care abia își încep cariera ale căror opere se vând de obicei cu 10.000 USD sau mai puțin. Colecționarii se așteaptă ca cele mai importante câștiguri financiare să apară din acest grup dacă își îndeplinesc promisiunea timpurie. Deși arta lor nu se află în muzee, potențialul lor este recunoscut de critici și reviste de artă precum Frieze și Artforum. Joel Mesler, din galeria de artă din New York, Mesler Feuer, numește artiști precum Loie Hollowell, Brad Troemel și Tony Lewis printre cei mai populari oameni din lume..
Furnizorii de artă plastică
Dacă doriți să începeți o colecție de artă plastică, există câteva moduri diferite la care puteți apela.
1. Case de licitații de artă
Licitațiile de artă au fost folosite pentru a vinde obiecte de artă de la sfârșitul anilor 1600. Cele două cele mai cunoscute case, Sotheby's și Christie's, au fost fondate în 1744, respectiv 1766, și sunt considerate astăzi cele mai prestigioase locuri de licitație. Cu toate acestea, există multe alte locuri în care colecționarii de artă aspiranți pot găsi piese. Procesul de licitație ca canal de vânzare pentru lucrări de artă este disponibil pe scară largă, cu sponsori de licitație variind de la dealeri de artă regionali și locali.
În timp ce vânzătorii și cumpărătorii pot rămâne anonimi, „prețul de ciocan” al unei piese - sau prețul pentru care este vândută, așa cum este semnificat de bretonul manechinului licitatorului - este o cunoaștere publică și este utilizat de evaluatori pentru a estima valoarea similară lucrări. Prețul final plătit de un cumpărător nu include taxele și taxele adăugate de casa de licitații.
Înainte de licitație, o casă de licitație estimează de obicei o gamă de prețuri la care o piesă va fi vândută. În unele cazuri, casa de licitații poate garanta vânzătorului - direct sau prin intermediul unui terț - un preț minim de achiziție pentru artă. În alte cazuri, vânzătorii pot stabili prețul minim sau „rezerva” pentru arta lor care trebuie îndeplinită înainte de finalizarea vânzării. Lucrările care nu se vând la licitație sunt denumite „cumpărate”.
2. Dealeri de artă
La începutul secolului XX, dealerul britanic de artă Joseph Duveen a făcut avere (și a câștigat un titlu britanic) prin vânzarea Maestrilor Vechi dobândiți de la aristocrații europeni săraci în numerar către noua rică americană. Capitanii industriei din America - Morgan, Gould, Rockefeller, Carnegie și Clark - au umplut conacurile lor recent construite cu picturi și sculpturi pentru a-și proclama succesul financiar și a-și demonstra noul statut pe scena mondială..
Bogații nu sunt singurii care beneficiază de dealeri de artă. Lucrările impresioniste precum Manet, Renoir, Monet, Degas și Cézanne rămân populare astăzi, vânzările tablourilor lor ajungând la zeci de milioane de dolari. Cu toate acestea, fără sprijinul dealerului francez de artă Paul Durand-Ruel, acești artiști s-ar fi putut estompa în obscuritate.
Potrivit curatorului Muzeului de Artă din Philadelphia, Jennifer Thompson, Durand-Ruel a achiziționat „peste 1.000 de monete, 1.500 de renași, 800 de Pissarros, 400 de șleaguri, 400 de casate și aproximativ 200 de manete.” În timp ce publicul nu-i plăcea și adesea ridiculiza aceste tablouri, dealerul de artă a sprijinit artiștii cu stipende și împrumuturi de ani de zile, în ciuda lipsei de interes pentru impresionism. Monet a afirmat: „Am fi murit de foame fără Durand-Ruel, tot ceea ce impresionăm.”
3. Vânzări directe de artiști
Mulți artiști noi sau emergenți renunță la sponsorizarea unui dealer de artă și vând lucrări direct cumpărătorilor. Aceasta poate fi o modalitate excelentă pentru colecționarii cu un buget de a pune mâna pe piese de artiști viitori.
Cuplul din New York, Dorothy și Herbert Vogel - bibliotecar și, respectiv, lucrător poștal - au scrimat și economisit pentru a cumpăra mici lucrări ale unor minimaliste emergenți în anii 1960 și 1970, plătind doar câteva sute de dolari pentru fiecare. În următorii 40 de ani, au acumulat o colecție de 2.400 de piese în valoare de sute de milioane de dolari. Ulterior au donat colecția lor la Galeria Națională de Artă, care oferă acces gratuit publicului. Lucio Pozzi, unul dintre artiștii preferați, a explicat: „Au fost artiști, iar colecția a fost opera lor de artă.”
Riscurile investițiilor în art
Înainte de a investi în orice activ, ar trebui să vă luați în considerare obiectivele financiare pe termen scurt și lung și toleranța la risc. Poziția dvs. financiară și experiența dvs. de investiții ar trebui să joace un rol în analiza dvs. În cele din urmă, identificați dacă veți fi un investitor activ sau pasiv. Dacă intenționați să fiți un investitor activ, ar trebui să fiți pregătiți să obțineți expertiza și experiența necesară pentru a cerceta independent și a lua decizii cu privire la investițiile dvs., inclusiv când să cumpărați sau să vindeți. Investitorii pasivi se bazează pe experți independenți pentru a-i sfătui cu privire la astfel de decizii.
Consilierii financiari sunt de acord că arta plastică este diferită de vehiculele de investiții tradiționale, cum ar fi stocurile, obligațiunile și mărfurile. În consecință, orice randament monetar din arta investiției este incert. Fiecare potențial cumpărător de artă pentru investiții ar trebui să ia în considerare următoarele dezavantaje ale efortului.
1. Rata de rentabilitate incertă
Publiciștii de artă și editorii de ziare sunt pasionați de poveștile în care omul obișnuit găsește un tablou pierdut de mult și prăfuit în mansardă sau achiziționează o piesă aruncată într-o vânzare de curte de cartier și descoperă că merită milioane. În timp ce astfel de povești umplu inima fiecărui colecționar cu speranță, probabilitatea ca vi se va întâmpla este mai mică decât probabilitatea dvs. de a câștiga loteria de două ori într-un an. Există câteva motive pentru acest lucru.
Estimări înclinate
Rentabilitățile financiare ale artelor plastice variază de la an la an. De exemplu, randamentul mediu anualizat pentru S&P 500 a fost de aproximativ 11,69% din 1973 până în 2016. Rata de rentabilitate anuală pentru activele artistice este incertă, cu rezultate diferite obținute de indici diferiți. Indicele Vânzărilor de Artă Blouin, o măsură adesea folosită de dealerii de artă, estimează un randament anual de 10%, puțin mai mic decât indicele S&P. Cu toate acestea, cercetătorii de la Stanford Business School au analizat datele de vânzări și au constatat că rezultatul a fost mai aproape de 6,5%. Când Gerlis a calculat randamentul mediu compus al artei de investiții de cinci până la 10 ani, a concluzionat că este în jur de 4%.
Ce reprezintă o mare variație a rezultatelor? Calculele rentabilităților sunt limitate la o bază de date mică de vânzări publice și omit tranzacțiile private, care constituie mai mult de jumătate din piața de artă de investiții. De asemenea, acești indici ignoră piesele de artă care nu se vând la licitație în fiecare an.
După cum explică autorul și criticul de artă Georgiana Adams în „Big Bucks: The Explosion of the Art Market in the 21st Century”, „Dacă 10 Warhols vor fi vândute, nouă sunt cumpărate, dar unul își triplă estimarea, atunci indicii de performanță ar înregistra. un rezultat fin. ” Acest lucru nu prezintă colecționarilor o idee precisă despre cât de mult poate fi comandată orice piesă individuală.
Fără rentabilitate anuală
Spre deosebire de stocuri sau imobiliare, arta nu generează niciun venit pentru proprietarii săi - cu excepția cazului în care sunteți un dealer sau o taxă de admitere pentru ca oamenii să vă vadă piesa. Singura ocazie pentru majoritatea oamenilor de a face profit este de a vinde arta cu mai mult decât prețul de achiziție.
Costuri permanente
Posibilitatea unei opere de artă de calitate investițională implică mult mai mult decât să iei piesa acasă și să o agăți de perete. În calitate de proprietar mândru, veți dori să vă afișați colecția pentru a-i evidenția frumusețea și a-i proteja valoarea cu iluminare specială, spațiu dedicat și controale de mediu.
Primele de asigurare pentru a vă proteja piesele împotriva furtului, pierderii sau daunelor se pot ridica la câteva mii de dolari pe an, iar asigurătorul poate solicita măsuri extraordinare de securitate - ca supraveghere video 24/7 - pentru a păstra opera în siguranță. Evaluările periodice sunt necesare pentru a menține o protecție completă dacă arta apreciază. Pot fi necesare ambalaje și proceduri speciale atunci când lucrarea este mutată sau transportată, inclusiv către și de la un dealer de artă sau o casă de licitații.
2. Lipsa de transparență
Majoritatea investițiilor sunt foarte reglementate, dar piața de artă - care include dealeri, galerii, târguri și spectacole de artă și licitații - nu are aproape nicio reglementare sau supraveghere. Frumusețea poate fi în ochii spectatorului, dar valoarea obiectelor de artă este stabilită arbitrar de o colecție liberă de galerii, critici de artă și consultanți care determină prețurile și controlează cumpărătorii. Majoritatea vânzărilor sunt tranzacții private, nereportate sau sunt efectuate în licitații publice, în care dealerii pot ridica prețurile prin umplerea ofertelor.
Potențial de fraudă
Această lipsă de informații duce în mod regulat la falsuri și scandaluri, care i-au păcălit chiar și pe cei mai cunoscuți dealeri, case de licitații și muzee. Măsura falsurilor în lumea artei nu este cunoscută, deoarece majoritatea cazurilor care implică falsuri sau lucrări în litigiu sunt soluționate în mod privat între vânzătorul sau casa de licitații și cumpărătorul falsului.
- Knoedler & Company. Una dintre cele mai vechi și mai venerabile galerii din New York, a vândut 70 de milioane de dolari Pollocks, Motherwells și Rothcos falsi unui client de încredere, ceea ce a dus la închiderea sa în 2011..
- Christie. În 1995, casa de licitații a vândut falsul „Fată cu lebădă” presupus de artistul german Heinrich Campendonk, împreună cu alte falsuri, pentru câteva milioane de dolari. Potrivit The New York Times, casa de licitații a vândut, de asemenea, un fals Marc Chagall în 1997 pentru 450.000 de dolari. Când a fost descoperit acest lucru, Christie a anulat vânzarea și a returnat banii cumpărătorului.
- Muzeele de artă. Nici măcar cei mai cunoscuți colecționari de artă din lume, inclusiv Muzeul Metropolitan de Artă din New York și Luvru, nu sunt imuni la falsuri atent lucrate. Robert Walsh, fost dealer de artă, notează într-un articol Salon că George Demotte, infam ca „cel mai mare producător al lumii”, a vândut cel puțin șase falsuri Met. Michael Glover din ziarul Independent al Marii Britanii susține că cel puțin 20% din tablourile deținute de muzeele de talie mondială sunt false.
Dovada autenticității
Proveniența - istoricul proprietății și transferurilor unui obiect - este deosebit de importantă în lumea artei. Această documentație ar trebui să includă numele fiecărei case de licitații, dealer, galerie sau colecționar care au deținut piesa, precum și dovada fizică a dreptului lor de a o vinde..
Pe lângă dovedirea autenticității, proveniența servește ca dovadă că persoana care deține un articol are dreptul legal să-l vândă. În cele din urmă, identitatea foștilor proprietari poate afecta prețul pieței; un tablou deținut de un regal britanic este apreciat mai mare decât dacă ar fi fost deținut de un proprietar nedistins.
Nu confundați proveniența cu o evaluare; evaluatorii își bazează cifrele pe presupunerea că o lucrare este autentică. Investigarea provenienței necesită diferite abilități, instruire și experiență și experiență semnificative cu artistul. Cei mai credibili experți vor avea lucrări publicate, cursuri predate sau eseuri catalogate despre artist. Rudele, angajații și descendenții artistului sunt, de obicei, acceptați ca autorități calificate.
3. Taxe de tranzacție excesive
Piața artelor plastice reflectă realitatea piețelor libere; atunci când oferta este mai mică decât cererea, prețurile cresc până la atingerea echilibrului și invers. Nu există un preț „corect” pentru o piesă de artă, doar prețul pentru care un cumpărător și un vânzător pot fi de acord. Prețul convenit ar putea să nu fie suma pe care vânzătorul o plătește sau cumpărătorul, deoarece taxele suplimentare sunt de obicei adăugate sau scăzute din prețul de vânzare.
De obicei, dealerii de artă marchează piese cu 50% până la 100% sau mai mult și nu sunt obligați să informeze cumpărătorii despre marcaj. Un dealer de artă, Yves Bouvier, a justificat clientului său o primă de 24,5 milioane de dolari pe un tablou Modigliani achiziționat pentru 93,5 milioane de dolari, pe baza faptului că „acționa ca un dealer, că acest lucru era clar pentru ambele părți și că avea dreptul să facă ce a putut. " Clientul său l-a dat în judecată pentru fraudă, plângându-se că supraîncărcările au fost de peste 1 miliard de dolari la achiziționarea a 38 de tablouri.
Casele de licitații precum Sotheby's și Christie's adaugă și taxe la prețul ciocanului. Aceste taxe, care sunt uneori negociabile, includ o primă de la 12% la 25% în funcție de preț, comisioane ale vânzătorului, taxe de licitare online, asigurări și taxe de depozitare în timp ce sunt în posesia casei de licitații și costuri ale terților. Unii licitatori percep o taxă de „rambursare” de până la 5% din prețul de rezervă al articolului dacă nu are loc vânzarea.
Cumpărături de legătură
O strategie preferată a dealerilor care reprezintă artiști emergenți este de a cere cumpărătorilor să achiziționeze lucrări de la alți artiști pentru a achiziționa piesa dorită, potrivit lui Mesler. El a spus revistei Wealthsimple că pentru a cumpăra un tablou de un artist cu adevărat fierbinte, „Va fi un schimb cadou cu galerii, unde poate doriți să cumpărați alți artiști din programul lor care nu sunt la fel de fierbinți. Așa stau galeriile în afaceri. ”
4. Iliciditate și perioade de păstrare îndelungate
Conform cercetărilor realizate de Muzeul American de Artă Smithsonian, există peste 400.000 de lucrări în colecții publice și private din întreaga lume. Cifrele întocmite de Biroul Statisticilor Muncii au descoperit că există mai mult de 27.100 de pictori, sculptori și ilustratori numai în Statele Unite, fiecare producând piese originale folosind o varietate de materiale - cum ar fi ulei, acuarelă și guașă - și suprafețe, cum ar fi hârtia, pânza și lemnul. Obiectele și stilurile diferențiază în continuare o piesă de alta. Deoarece fiecare piesă de artă este unică, o lucrare specifică apelează de obicei la un grup select de cumpărători potențiali.
Cumpărătorii sunt adesea prosti, în special cei care cumpără cu intenția de a obține profituri ușoare. Un tablou al lui Lucian Smith care s-a vândut inițial cu 10.000 de dolari în 2011 a adus 389.000 de dolari la licitație în 2013; operele sale mai recente, cu toate acestea, vând în gama de 10.000 - 25.000 dolari, potrivit Bloomberg. Jeff Rabin, principal și co-fondator al Artvest Partners, o firmă independentă de consultanță în domeniul artei din New York, spune în The Wall Street Journal că colecționarii ar trebui să iubească piesele pe care le cumpără, deoarece nu există nicio garanție a unei piețe secundare, așa că pot fi blocați cu lor.
Chiar și experții pot fi păcăliți să creadă că o piesă va valora mult mai mult decât vinde de fapt. Comerciantul și colecționarul de artă Niels Kantor au achiziționat un tablou de Hugh Scott-Douglas pentru 100.000 de dolari, care a fost evaluat la numai 18.000 - 22.000 $ la licitație doi ani mai târziu. „Prefer să pierd o pierdere”, spune el. „Simți că poate merge la zero. Este ca un stoc care s-a prăbușit. ” Concluzia este că nu există nicio garanție pe care să o puteți vinde arta atunci când doriți sau primiți prețul pe care îl așteptați.
Distribuția ridicată între costul către dealer și prețul final plătit de cumpărător duce la perioade prelungite de păstrare înainte ca aprecierea prețului să depășească marcajul inițial. Mulți dealeri sugerează o perioadă de deținere minimă de 10 ani sau mai mult, în special pentru artiști noi sau recent descoperiți. Poate dura generații ca lumea artei să ajungă să aprecieze geniul unui anumit artist; Vermeer, Gauguin și Van Gogh sunt reprezentanți ai multor artiști care au fost considerați eșecuri în viața lor. După cum a declarat Enrique E. Lieberman, președintele Art Fund Association, pentru The Wall Street Journal, „În general, trebuie să gândiți în termeni de un plan de cinci până la 15 ani pentru a realiza profituri.”
5. Cunoașterea experților este necesară
Termenul „artă de calitate investițională” a fost creat pentru a identifica un obiect de artă specific „care este considerat de către profesioniști că are șanse mari să își păstreze valoarea și probabil să crească”, potrivit Wealthsimple.
Quartz observă că industria de investiții în artă „a dezvoltat un proces complex de semnalizare în care aprobarea unei mîini de galerii, colecționari și muzee determină ceea ce este bun și valoros.” Galeriile justifică această practică cu pretenția că îl protejează pe artist de capriciile pieței.
Cunoașterea jucătorilor și a relațiilor din rețeaua umbrită a sponsorizării este esențială dacă intenționați să cumpărați artă pentru apreciere. Distribuitorul de artă Marla Goldwasser remarcă în Quartz că, deși este posibil să obțineți o piesă la fel de atractivă pe stradă de la un artist nesponsorizat, veți lipsi valoarea investiției și prestigiul social care însoțesc un obiect sponsorizat de galerie..
Luați în considerare exemplul lui Algur Meadows, un petrolier din Texas, care a avut încredere în doi dealeri francezi de artă puțin cunoscuți care l-au convins să cumpere zeci de tablouri la mijlocul anilor '60. Aceste lucrări au inclus picturi despre Gauguin, Dufy, Chagall și Bonnard. Cu toate acestea, când a încercat să vândă o parte dintre ei, li s-a descoperit că sunt falsi.
Ulterior, Meadows și-a reconstruit colecția, ocupându-se doar de cei mai renumiți dealeri și bazându-se pe sfaturile lui William Jordan, primul director al Muzeului Meadows de la Universitatea Metodistă de Sud. Lecția de învățat? Aventura în lumea artelor frumoase, fără un ghid de încredere, este asemănătoare cu a aduna ciuperci cu ochiul în ochi - este posibil să alegeți un coș complet, dar vai de cei care vă mănâncă recolta.
Cuvânt final
Toate probele indică concluzia că cumpărarea artelor fine numai pentru a obține un profit viitor este probabil să nu aibă succes. Investițiile tradiționale, precum acțiuni, obligațiuni, imobiliare și aur au mai multă transparență, reglementări mai bune și o lichiditate mai mare decât art. Costurile de tranzacție și de proprietate pentru acestea sunt, de asemenea, mult mai mici decât marcajele și primele plătite în lumea artei. Urmărește avertismentul lui Shane Ferro, un reporter economic pentru Business Insider și fost reporter al pieței de artă la Artinfo: „Cumpărând artă se joacă într-un tărâm nelegiu și umbrit, dominat de o mână de jucători care sunt aproape garantați să știe mai mult decât tine."
În cazul meu, arta cu tematică occidentală a căzut în favoarea la mijlocul anilor '80, pe măsură ce averile petroliere au scăzut din cauza scăderii prețului petrolului. Mai mult, artistul care a pictat „Going Home” nu a atins niciodată aclamarea și popularitatea așteptată de la talentul său timpuriu. Dacă ar fi astăzi să-mi vând tabloul preferat, aș avea norocul să obțin jumătate din prețul meu de achiziție.
Cu toate acestea, aș cumpăra din nou piesa. Am derivat aproape 40 de ani de plăcere din vizualizarea ei și sunt sigur că fiul meu va aprecia arta atunci când va deveni a lui. La final, arta ar trebui să fie dobândită pentru bucuria pe care ți-o dă; orice câștig în valoare este un bonus.
Dețineți piese de artă? Le-ați cumpărat pentru a face profit sau pentru a vă mulțumi?
